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7.损害之限：泰蕾莎·奥尔顿(5/5)

域》中的作品与《航线》中的《暗箱》（CameraOb-scura）或《扫描仪》（Scanner）是相辅相成的。

《暗箱》里，简单多色的分子结构以宝石般的形态排列着，却被添加上了灰色与白色的阴影，呈现出一种不稳定的分割感，甚至还有曲线与补丁，宛如水与薄雾连缀其间。

绘画的能量使它不可能告诉我们是否存在双层空间，诸如心灵的内院，可以合并或抵抗他者的存在；我们知道的全部是它们的动作，以离心或向心的方式，永不停止。

而在《扫描仪》里，暗色颜料在帆布上呈现了一系列事件，但这些事件却败于抵抗，因瘦弱不堪而无从抗争。

它苦恼自己漂移中的形状，金色、棕色与白色轻柔地贯穿身体。

当我把目光从《领域》移向灰色作底、灰白相间的《未命名》二号与四号时，这两部作品就像是粘连在一起，尽管它们是彼此瓦解的微粒、无法阻碍的碎片，从而迁移到下一组图片中。

除了它们时下所停顿的，它们的易碎作为破碎宇宙的一部分，显示了对拒绝看见和听见的世界的非难。

奥尔顿不曾胁迫任何人，尽管她的作品总需要格外仔细的审视，但我们其实不需要更加贴近却观看她的作品。

《抽象与记忆》可以看做历史绘画的一种类型（“过去干扰的遗迹，永远支撑他们现在的轨迹”）。

这一观点并非有利，却是她自己所提出的“内在关照过去”，接近“更深入、更古老的表面”，去观看“长远却无形的、仅存于地平线上”的现象。

我们窥探她所呈现的历史，正如中世纪的农业一般蓬勃兴旺。

在讨论中，奥尔顿提出的进程——重工业、矿业、污水排放、毒废料排放、被淹没的土地、原子能发电厂都建在漂浮的流沙上。

它们都是人类给地球留下的伤疤。

更重要的，是她所描绘的，大多是“被忽视”的内容：“我不想忽视地球现在看上去的真实模样……我想真正看见它。

”“照片和它冷漠的眼睛，”她评价道，“根本无法察觉恶臭的池塘和雪山、干净的蓝天与紫色的雾气之间的区别。

”（它只是以均衡的框架来捕捉着一切。

）但通过绘画，没有什么可以停留在自己原本的层面。

再一次，去忽略那些“我们可能不够了解的内容”是很有诱惑性的。

这就好像古老的法师拒绝那些所谓他们尚未看见的事物。

出于相同的原因，“谷歌地球”，作为一个出于相同原因被提出的项目，就被认为“在无限的意义上有几分错误”（卢森堡对于无限的看法，正是把无限看成宇宙的属性，而非认为它是一个球）。

于是奥尔顿创作的主题，事实上是考量一双“盲目的眼睛”所可能造成的政治后果。

在一幅画面上，你可以想象一艘汽船在河面上巡航，整片陆地荒无人烟，唯有俯瞰才是理解它的唯一方式。

这种在画面上分离双重空间的方式，清楚地表现了汽船上的乘客即使通过汽船的滑行，也永远无法得见的世界的残骸。

《领域》是奥尔顿出于爱，完成的一份有关世界所遭受暴力的记录。

在其中，她将自己早期作品里隐藏的暴力彻底表现了出来（考虑到优雅的原则，在最初它们并没有被表现）。

建筑物上微小的凸起，可能是工厂的烟囱，就像是发育不良的四肢；海岸线像是被吸进了海里；建筑群就像是一处巨大的泥潭，因为它们几乎没有分别；整个城市与天空一起，陷入了巨大的危险之中；四处可见的高架公路，匆匆把它们的支柱插入地面，再看过去就像是一堆倒塌的卡牌；高架桥则刺穿了绿色和紫色的城市空间，让它们显得不堪一击。

而在一些图片里，稠密的空气占据了整个画面，简单却不可避免地包围了所有陆地。

一位评论者指出，她卓越的想象，就好像得到了天空上的明星指引一般确切而精妙。

它是她指向苍天，令人目眩神迷的起点（奥尔顿认为这也是受难的一种）。

而在最近的作品里，两种标准的钴蓝色作为画面的前景色，穿透了一片棕色的区域，好像在后面形成的一片大海。

再一次，水成了构成世界的框架，陆地则越发成为无力的干扰（一点点碎裂的土地，就像伤口上结的痂，等待着被剥落）；另一方面，海岸和陆地，就像被挖出的伤口，泥泞的构成物散落其间。

绿色的色斑似乎表明了多产的愿望，而区分，则难以置信地提供了一丝不苟的自然的每一个细节与失败。

这全部的影响，是在面对可怕的空洞时有着无尽的爱，才得以实现的。

这十分接近普鲁斯特笔下的斯万在生命尾声时的著名描述： 所有的目光集中到脸上，面对着这样一张逐渐消沉的面颊，因为病痛，它是如此的衰落，就像是渐渐亏损的月相。

除非是在某一特定的角度，那正是斯万自己观看自己的角度，它才会停止越发单薄的景象，宛如错觉一般，深入到某种深处。

当人们在宴会上带着“无礼的错愕、少许笨拙的好奇，以残忍并释然的自省”盯着斯万看时，叙述者和阅读者都可以看到他眼中毁灭性的悲痛。

奥尔顿所做的，正是颠覆这扭曲的、本身并无意义的目光（无礼的错愕，甚至是带有窥淫癖的）。

她以特殊的警醒方式，让人们思考人们“死亡的必要性与原因”。

人们无法忽视她的作品里挥之不去的义务感（这是一种属于每个人的暴力雏形）。

奥尔顿对此总结，“世上最好的保护膜，在‘你是’与‘它是’之间。

” 升腾于大地之上显然还有其他意义。

奥尔顿同样是个无根之人。

但她和本书中其他的女性一样，可以将此转变成有益之事。

她通过合理的区分，得到了一个网格状的宇宙。

这就像伍尔芙所说的“作为一个女性我没有祖国，我的祖国是全世界”。

而在奥尔顿方面，无根在它隐喻意义之下，代表的是一种可触碰的自由与生之痛苦。

“越来越少的人，”她观察到，“会在一处终老。

”在所有缺乏亲近的地方，“渴望被深爱之人了解”，然后，她继续说，但离开某个地方的宿命，反映的是生命的实质：“孤苦伶仃，无依无靠，在异乡除了陌生人的眼色一无所得，踩在坚实的地面上也得不到安宁”。

因此奥尔顿带给我们的，其实是一个闭合的圆环。

它起始于卢森堡笔下被资本主义肆虐后的世界，但她自己却未曾得见。

而奥尔顿的笔，则让我们感受到了自己脚下正被损害的一切。

“你不能，”在讨论这些画作时她说，“想象你的脚在哪里，你的身体就会视觉化地出现在哪里。

”（在我看来“视觉化”连自娱的目的都无法完成。

）“你无须逃避无根的命运，你需要这样去实现自己。

”甚至可以说，无根具有其（美学的）优势——不断的漂泊、混合的敌意为奥尔顿的每一幅作品打下唯一的烙印。

这同样也是一种政治意义上的反抗：“不间断的漂泊，是为了摆脱在政治控制下的不适。

”这些画作是独一无二的、关于废墟的记录，同时也意味着世界可以从野心家的双手中挣脱生还。

《在身份变换下的信仰手记》中，奥尔顿引用了伍尔芙的话：“带有紫色斑点、温淡的海平面，它不可见的下方却像是在沸腾、在流血。

”贯穿本书，我坚信女性始终有可以穿透黑暗的力量，以无意识和历史性的抗争，让我们的命运浮出水面。

我将此视为天赋和任务。

在我看来，奥尔顿无疑是所有现代艺术家里，任务完成得最出色的一位。

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